靈魂樂（音樂流派）

靈魂樂（音樂流派）

靈魂樂 （音樂流派） 次瀏覽 | 2022.06.29 08:53:29 更新 來源 ：互聯網 精選百科 本文由作者推薦 靈魂樂音樂流派

靈魂樂是1950年代發源于美國的一種結合了節奏藍調和福音音樂的音樂流派。緊扣節奏、拍掌、即興形體動作，是其重要特征。靈魂樂獨唱與伴唱之間的交流對唱、特別緊繃的發聲，也是其主要特色。

中文名

靈魂樂，索爾音樂

外文名

Soul

別名

靈歌

曲風起源

節奏藍調-福音音樂-Doo-wop

典型樂器

吉他-貝斯-鼓-銅管樂器-主唱

普遍程度

全球、1960年代到1980年代早期

發展

靈魂樂獨唱與伴唱之間的交流對唱、特別緊繃的發聲，也是其主要特色。早期靈魂樂的代表作是雷·查爾斯演唱的《I Got a Woman》。

整個60年代后期，靈魂樂開始頹廢，像Rascals,theBoxTops,MitchRyder,TonyJoeWhite和RoyHead樂隊受到一系列的重創。 70年代時，靈魂樂繼續發展，如霍爾與奧茲、RobertPalmer、AverageWhiteBand、BozScaggs，和大衛·鮑伊等樂隊的推進，使演奏風格更加現代化。

Soul亦稱“靈歌”。1969年，“公告牌”用“Soul”來代替原來對“節奏布魯斯”的稱呼。它是由布魯斯、搖滾樂與黑人福音歌混合而成的一種黑人流行音樂，演唱時較少演奏樂器。

特點

靈魂樂是南方福音和中西部的節奏藍調的融合，禮拜樂的復興被帶入節奏藍調的Boogie-Woogie世界之中。從這種肥沃的基礎開始，靈魂音樂誕生了。靈魂音樂的特點是堅實的節奏部分配以明確的世俗動感及宗教音樂。吉它常常讓位于Hammond B-3風琴，同時采用一些管樂。然而幾乎所有靈魂音樂都以熱情、高揚的嗓音作為標志，偶爾也加一些即興表現。

靈魂音樂指望它的聽眾去尋找愛、為愛而寬恕、或者干脆搖尾乞憐地求愛。熱情的藝術家們例如SamCooke,ArethaFranklin和AlGreen總試圖淡化靈魂歌手和福音傳道士的分界線。你幾乎可以把靈魂音樂稱作是沒有宗教的宗教的音樂。底特律和費城等城市是主流靈魂的溫床，因為它在60年代中后期被廣泛接受，而阿拉巴馬的MuscleShoals和孟菲斯著名的Stax/Voltstudio的發展使靈魂樂關聯到funk的產生。

靈魂音樂對美國流行音樂的影響回蕩于70年代的白人靈魂到當代的節奏藍調的音樂家包括歌手MariahCarey和那個“以前叫做Prince的藝人”。

福音歌曲

19世紀末，伴隨著五旬節派教會（基督教派別之一，主要由社會底層人士組成）的興起，福音歌（Gospel）也隨之誕生了。它與拉格泰姆、爵士樂差不多同時出現，不同的是它來自黑人教堂禮拜儀式，是禮拜儀式的組成部分，但也通過音樂會、廣播和唱片等途徑傳播。

黑人宗教生活中還有一種歌曲叫"靈歌"（Spiritual）。靈歌的產生比福音歌早，是19世紀初美國南方黑奴在白人贊美歌的影響下發展起來的。靈歌歌唱的題材大都與死亡、復活、解脫和希望有關。它的流傳主要依靠口頭傳播，旋律、和聲都比較簡單，節奏中帶有從黑人勞動歌曲中演變而來的很多切分，一般沒有樂器伴奏，歌唱時常以拍手頓足等動作相配合。靈歌發展到后來，由于爵士樂的成分越來越大，慢慢地演變成了福音歌。

福音歌的歌詞取自圣經或黑人生活體驗，多黑人土語。按照某些牧師噢法，它敘述"福音真理"，給人帶來"好消息"，因此才叫"福音歌"。演唱福音歌時，感情強烈，表現形式狂放自由，與白人演唱宗教歌曲時大不相同。因此有人說：“黑人的宗教不是通過靜思去接近上帝的，而是經由肉體的舞蹈、宣泄的喊叫，在迷狂中達到忘我"。

福音歌的演唱形式眾多，有獨唱、合唱、重唱、齊唱等，大多速度較快，有很多復雜的切分節奏，很多聲部之間的呼應，中間夾著呼喊、呻吟、慟哭、以及假聲，并伴有拍手頓足等舞蹈動作，提供對位節奏（例41）。如：美國電影《修女也瘋狂》中就運用了大量的福音歌作為影片的插曲。最早的福音歌少不了鈴鼓伴奏，后來，不斷有其他樂器如風琴、鋼琴、吉他等加入進來。福音歌的結構，一般來說比較簡單，有很多樂句的重復，但由于演唱時隨著感情的驅使而自由發揮，使歌曲的旋律經常出現下滑式的華彩，而節奏變得更加復雜。

從1977年起，格萊美獎增設了傳統福音歌和現代福音歌兩項演唱獎。1983年又將它改為最佳福音歌曲演唱男聲、女聲和合唱三項大獎。顯然，福音歌已經走出了教堂，它已不再是一種單純的禮拜儀式了。因此，福音歌通過各種傳播使其變得更加的流行，也因此使其走進了世俗的商業社會。這無形中預示了一個結果：索爾音樂正在逐漸地形成。所以說索爾音樂是福音歌世俗化、流行化的結果。

代表歌手雷·查爾斯（RayCharles）

靈魂樂之父——雷·查爾斯

雷·查爾斯，生于1930年，美國靈魂音樂家、鋼琴演奏家。他開創了節奏布魯斯音樂。他是第一批被列入搖滾名人堂的人物之一，《滾石雜志》亦把他列為“100個最偉大的藝人”中的第10位。法蘭克·辛納屈稱他為“音樂界唯一的天才”。2004雷·查爾斯去世后，按照其生平拍攝記影片《靈魂歌王》。[2]

他6歲時因患青光眼而雙目失明，在此之前已開始學習鋼琴，后來成為鋼琴家和歌手。當他談起早年在教堂受到的影響時說："每個星期日都去教堂，所以很自然，我的周圍都是教堂音樂。傳教士宣講幾行，教堂全體人員就會唱出他所說的，這完全是即興地插入;在雷·查爾斯的早期錄音里，他把世俗的歌詞即興插入他所熟悉的福音歌里，常常也結合一些爵士樂和布魯斯的成份

到了60年代初，這種世俗與宗教相結合、感情色彩濃烈的黑人音樂有時也被稱作"放克"（Funk），與此同時"Soul"這個名詞也越來越多地得到使用，其含義與"放克"幾近相同。（"放克"是將福音歌的特點與非洲音樂復雜的復合節奏相結合。它的特點是在一二個和弦的基礎上即興演奏引子似的片段，不斷重復，延長時間，并具有強烈的切分節奏；它的速度通常適于舞蹈。）比起福音歌來，索爾（或放克）的拍子變得更為強勁，樂隊里增加了電聲樂器，總的曲式框架更加固定。但是索爾歌手始終保持福音歌表現上的充分自由：自由的音高、音色、節奏和結構。

阿撒·富蘭克林（ArethaFranklin）

阿撒·富蘭克林，1942年生于孟菲斯，兩歲時隨家移居底特律。她的父親是牧師，母親是福音歌歌手。富蘭克林從小在教堂環境中長大，8歲起在教堂唱歌。60年代初，她演唱了6年的波普歌曲，錄了4張專輯，但成績不佳。大西洋唱片公司的制作人杰瑞·韋克斯勒（JerryWexler）早就發現富蘭克林有福音歌的根基，應該朝索爾方向發展。因此，1967年，當阿撒·富蘭克林與哥倫比亞唱片公司（前簽約公司）合同期滿時，韋克斯勒立即讓她與大西洋唱片公司簽約。阿撒·富蘭克林長期積累的福音歌演唱才能馬上得到了體現。

如果說，大西洋公司已成為索爾音樂的代理標記的話，那么，阿撒·富蘭克林就是這標記上第一顆璀璨的明星。大部分索爾演唱家的主要聽眾仍是黑人，也許偶爾會進入白人市場。阿撒·富蘭克林則不同，她沒有改變索爾的特色，卻在黑人和白人中都擁有大量聽眾。阿撒·富蘭克林的音域很寬，常?？梢猿錆M激情地從很低的女低音快速轉向喊叫式福音歌女高音。不管她演唱什么歌曲，傳統的民歌、還是百老匯作曲家的作品，都會打上她自己的烙印。

詹姆斯·布朗（JamesBrown）

詹姆斯·布朗，1933年生于佐治亞州的奧古斯塔。他于50年代中期成立福音歌小組，取名"頂好的火焰"（FamousFlames），與"國王"（King）唱片公司簽約。60年代初，詹姆斯·布朗帶領由40人組成的"詹姆斯·布朗歌舞隊"在全國巡回演出。正是此期間，他發展了獨特的表演個性。他的歌唱總是用盡全力，結合喘氣、呼叫、嗚咽等，成了演藝界出名的"最賣力的人"。表演結束時，他臉上流著汗，雙膝彎曲，好像就要暈倒在臺上一樣。這時，有人上來扶他下場，而他又會轉回來，拼著命不顧一切地繼續演唱。幾次來回，使觀眾也陷入瘋狂的激動之中。他的舞蹈也很有名，影響了從邁克爾·賈格爾（"滾石"樂隊主唱）到邁克爾·杰克遜（MichaelJackson）等很多人的表演。也有人說："詹姆斯·布朗在現場演出中的古怪行為和舞蹈場面，成了他藝術的主要部分。"

60年代中期，詹姆斯·布朗的演唱變得更加原始、粗獷，強調"呼喊"，而音樂卻變得十分簡單，常常在二三個和弦的襯托下，依靠即興重復音型，即所謂"連復"手法，使情緒熱烈和激動起來。1967年是詹姆斯·布朗的鼎盛之年，估計有300萬觀眾出席他的音樂會，賣出唱片5000萬張。1967-1972年期間，他的大部分作品都在節奏布魯斯排行榜上列為第一。他成了有世界影響的黑人象征。到了70年代中期，流行樂壇的風格變了，很多黑人跳起了迪斯科。從那以后，詹姆斯·布朗的成績一直都處于"平淡"狀態。

惠特尼·休斯頓（WhitneyHouston）

惠特尼·休斯頓

惠特尼·休斯頓（1963年8月9日至2012年2月11日）是一位美國歌手。她是有史以來最暢銷的唱片藝術家之一，全球唱片銷量超過2億張。休斯頓發行了七張錄音室專輯和兩張配樂專輯，所有這些專輯都獲得了美國唱片業協會（RIAA）的鉆石、多白金、白金或黃金認證。她在流行音樂排行榜上的跨界魅力以及在MTV上的突出地位影響了幾位非洲裔美國女藝術家。

1983年，被CliveDavis發掘，并于1985年發行首張同名專輯《Whitney Houston》，該專輯在公告牌專輯榜奪得14周冠軍，并以2500萬張的銷量成為最暢銷的首張專輯。1987年，發行的第二張專輯《Whitney》空降并蟬聯了11周公告牌專輯榜冠軍，并誕生了四首全美冠軍單曲。從1985年的《Saving All My Love for You》到1988年的《Where Do Broken Hearts Go》，她是唯一一位連續七次登上美國廣告牌百強排行榜第一的歌手。

1988年，獲得第30屆格萊美獎最佳流行女歌手獎。1992年，主演電影《保鏢》并獻唱主題曲《I Will Always Love You》，該曲與原聲帶專輯《The Bodyguard》分別成為史上銷量最高的女歌手單曲、專輯。1994年，獲得第36屆格萊美獎年度專輯、年度制作和最佳流行女歌手三座獎項。1998年，發行專輯《My Love Is Your Love》，并憑借該專輯獲得格萊美最佳R&B女歌手獎

1999年，被美國唱片業協會認證為20世紀最暢銷的藍調女歌手。2001年，獲得第一屆BET終身成就獎。2002年，發行專輯《Just Whitney》后隱退樂壇。2009年，發行復出專輯《I Look To You》再次在多國專輯榜奪冠，并獲得了全美音樂獎國際藝人獎。2012年2月11日，因服藥過量導致心臟病發滑入浴缸溺水而意外逝世，終年48歲。2012年3月，首張專輯入選格萊美名人堂；5月，獲公告牌音樂獎千禧大獎。2013年，首批入選R&B名人堂。2020年，入選搖滾名人堂。[1]

喬·庫克

喬·庫克（Joecocker），1944年5月出生于英國的謝菲爾德，是英國"藍眼睛索爾"的代表人物。庫克于12歲時踏上舞臺，曾加入哥哥的樂隊任鼓手和口琴演奏。由于受搖滾樂、布魯斯及雷·查爾斯等人的影響，庫克的演唱樹立了獨具特色的風格。

喬·庫克曾當過加油工，還干過雜志發行社的包裝活。1969年，他的首張專輯《有我朋友的一點幫助》（With a little help from my friends）使其獲得了成功，同名標題曲一舉獲得英國排行榜冠軍。1969年，他的第二張專輯為其贏得了更多的榮譽，一首《戴爾塔女士》（Delta Lady）更是受到了大眾的喜愛。同年，庫克舉行了全美巡回演出。此后兩年，由于演出、錄音的極度勞累和麻醉劑上癮，使他暫時離開了舞臺，直到1972年再次復出。1982年，專輯《謝菲爾德的鋼鐵》（Sheffield Steel）集索爾、搖滾、敘事歌曲等風格于一體，是庫克最有代表性的專輯之一。

范·莫里森

范·莫里森（VanMorrison），1945年8月31日出生于愛爾蘭的貝爾法斯特，是英國索爾的代表人物之一。但是，范·莫里森的音樂風格涉及面甚廣，布魯斯、爵士、鄉村、民謠以及索爾音樂無一不在他的作品中流露出來，索爾只是他音樂風格中的一部分。 由于受到父母的影響（母親曾是一名爵士歌手），很小就對布魯斯和爵士樂產生了濃厚的興趣，15歲時離開學校開始從事音樂工作。1963年組織了"他們"（Them）樂隊，并出版了兩張專輯。

1969年，他在"華納兄弟"（WarnerBrothers）公司推出了第一張個人專輯《星際星期》（Astral Weeks）。隨后，于1970年推出的《月宮舞》（Moondance）是他的一張重要專輯，他把節奏布魯斯和爵士樂有機地結合到了一起。1980年，專輯《普通一員》（Common one）帶有濃烈的鄉村浪漫主義情調。從1990年以后，莫里森幾乎每年出版一張專輯。1995年出版了第22張個人專輯《像這樣的日子》（Days like this）。1996年錄制了一張向爵士鋼琴家本·西德蘭（BenSidran）和阿利森（Allison）致敬的專輯《莫西·阿利森之歌：告訴我點什么》（Songs of mo Allison：Tell me something）是一張典型的爵士唱片。

摩城音樂

50年代中期，隨著搖滾樂的出現，流行音樂似乎有了一個統一的市場，盡管社會的其他方面，如種族隔離仍很嚴重。可是，到了60年代，當社會正朝著消除種族隔離努力的時候，音樂產業反而退回到了隔離狀態。

60年代初，青少年的偶像，如沖浪音樂、民謠搖滾、"披頭士"等等，都是白人。而索爾基本上只在黑人市場流行。索爾歌手很少有白人，大部分都在黑人俱樂部或城市的貧民區演出，他們演唱得最好的歌曲，都只能在節奏布魯斯的排行榜上獲得名次，只是偶爾有所突破。這時，有一家唱片公司想方設法把帶有索爾傾向的黑人音樂與波普相結合，打入白人市場，使它不僅在節奏布魯斯，也在波普排行榜上有名。這家唱片公司叫做"摩城"（Motown），它取得了極大的成功，摩城也因此成了流行音樂中一種風格的代表。

摩城的索爾音樂與真正的索爾音樂相比，根基是相同的：都是福音歌和節奏布魯斯。但是，由于摩城的索爾吸收了波普的成分，一方面，固然使它的聽眾更廣泛，商業上取得了更大的成功；另一方面，也可以說已經不是真正的索爾了。

它與真正的索爾區別在于：它不是一種即興的藝術，沒有自由發揮的余地（這也許正是原來福音歌和索爾的生命力之所在），索爾音樂那種原始的、自然狀態的表現在摩城的聲音中已經找不到了。相反，它已經過修飾、加工，是專業化的，無論是歌聲還是樂隊都是預先精確地設計好的。盡管如此，它在商業上卻取得了巨大的成功。所以說摩城音樂（MotownMusic）是索爾音樂商業化以后的產物。

摩城的創立者是唱片制作人兼歌曲作家巴瑞·戈迪（BerryGordy，1929年出生）。戈迪年輕時曾在他的家鄉底特律辦過唱片公司，發行爵士樂，但沒成功。1960年，他借款700元，在同一城市建起了"摩城"唱片公司。

摩城（Motown）這個詞是從底特律的別稱"摩托城"（Motortown，或譯"汽車城"）而來的。戈迪依靠自己的音樂直覺和經營思維以及以往的經驗，已經懂得如何才能取得成功。果然，不到十年時間，摩城推出了很多"流行索爾"熱門歌曲和一批杰出的歌手和樂隊。它本身也從小小的規模發展成美國由黑人擁有和經營的最大的唱片公司，以致它的唱片銷量在60年代超過美國任何一家公司。

戈迪的成功首先在于依靠有才能的音樂家。摩城的歌手很少自己作曲，戈迪聘用為摩城作曲并制作唱片的先后有斯莫基·羅賓遜（SmokeyRobinson）、諾曼·惠特菲爾德（NormanWhitfield）、多齊爾（LamontDozier）和霍蘭兄弟（EddieHollandandBrianHolland）等。在他們的精心制作下，成功地推出了一批歌手和演唱組。他們有斯莫基·羅賓遜領導的"奇跡"（Miracles）演唱組、女歌手瑪麗·韋爾斯（MaryWells）、男聲五重唱組"誘惑"（Temptations）、男歌手馬文·蓋伊（MarvinGaye）、女聲五重唱組"奇妙"（Marvelettes）、男聲四重唱組"四頂尖"（FourTops）、"戴安娜·羅斯與至高無上"（DianaRossandtheSupremes）演唱組等。

戈迪的成功還在于他的經營方式。他按照固定的音樂風格對摩城的產品進行嚴格控制。摩城的歌曲具有比較復雜的樂曲編配技術；使用包括弦樂在內的樂隊伴奏；歌詞很少雙關語或黑人用語，避免任何重大的或有爭議的題材，主要敘述青少年浪漫故事（1968年以后有所突破）。

摩城于1971年離開底特律，搬到洛杉磯（日落大道），它以繼續推出"杰克遜五兄弟"（JacksonFive）、"艦隊司令"（TheCommodores）、史蒂維·旺德和戴安娜·羅斯等明星的作品而取得成功。但是，戈迪的嚴格控制使很多人受不了而離開了摩城。1988年，摩城終于賣給了MCA音樂公司。

通過與摩城簽約取得成功的歌手與團體除了上面提到的以外，還有女聲三重唱組"馬撒和范德拉斯"（MarthaandtheVandellas）、特雷爾（TammiTerrell）、小沃特（JrWater）等。

下面重點介紹戴安娜·羅斯和史蒂維·旺德：

戴安娜·羅斯（DianaRoss）

戴安娜·厄妮絲汀·厄爾·羅斯（英語：Diana Ernestine Earle Ross，1944年3月26日－）是一位美國歌手及女演員，是1960年代摩城唱片組合至上女聲的主唱。 1970年退出組合后，她開始轉型成為一個獨唱女歌手，她在電影以及百老匯劇院取得極大的成功。她在《Lady Sings the Blues》一劇中憑著飾演已故歌手比莉·哈樂黛角色獲提名1972年奧斯卡最佳女主角獎，同時亦贏得該年金球獎。她共贏取8個全美音樂獎，囊括12個格萊美獎提名。1976年，《告示牌》雜志把她封為年代最佳女藝人。1977年，她憑著個人劇《An Evening with Diana Ross》獲得托尼獎。[3]

戴安娜·羅斯

戴安娜·羅斯的嗓子清澈、委婉，很適合"至高無上"所表現的青少年愛情的主題。因此，她的聲音有"甜美的索爾"之稱。1965年，"至高無上"在國內外巡回演出，有時出場費可高達10萬美元。隨著戴安娜·羅斯的獨唱表演越來越突出，在戈迪鼓勵下，戴安娜·羅斯于1969年離開"至高無上"，開始獨唱生涯，第二年獲格萊美最佳女歌手獎。

1971年主演電視劇《戴安娜》（Diana），1972年拍攝她第一部影片《女人演唱布魯斯》，扮演主角--美國歷史上著名的爵士歌手比利·霍利迪。70年代，她還發表了兩張專輯《戴安娜·羅斯》（1976）和《戴安娜》（1980）。一系列的成功使羅斯成為流行音樂領域中的一位超級明星。1981年，她與萊昂內爾·里奇（LionelRichie）一起演唱的《無盡的愛》（EndlessLove，同名電影主題歌），在波普排行榜奪冠達9周之久。同年，她離開摩城，改與美國廣播唱片公司（RCA）簽約。

史蒂維·旺德（StevieWonder）

1950年，史蒂維·旺德出生于密西根州薩吉諾，原名莫里斯（StevelandMorris），先天失明。不久，隨家遷往底特律，并在當地教堂唱歌，10歲時，通過"奇跡"成員介紹，來到摩城試唱。他能唱歌、彈琴、打鼓，錄音棚里能找到的樂器他幾乎都能演奏。戈迪對他的才華大為贊賞立即與他簽約，并替他改名為小旺德（LittleStevieWonder）。他的第四首單曲《指尖，第二部分》（Fingertips，Part2根據一次現場演出的第二部分錄音而成）于1963年獲波普排行榜冠軍。

《指尖》傳達出盲人通過指尖的觸摸對生活的感受，是一首強烈的、具有福音歌特點的歌曲，"12歲的天才"（當時大家這么稱呼他）獨唱和自吹口琴，與有力的背景樂隊相結合，給很多人留下了深刻印象。

60年代，史蒂維·旺德有16首作品進入"最佳40"，這里有地道的索爾歌曲，也有白人搖滾歌曲的翻唱版。70年代，他的童腔已經消失，他繼續擴展自己的音樂知識和理論，注重作品的創作技術，特別是和聲的運用。

此后，史蒂維·旺德發表了一系列具有自己風格的專輯，并都由他獨立制作。為了擺脫摩城的控制，他于1971年建立了自己的錄音公司，并與戈迪達成協議，摩城負責發行，對半分利，在藝術上史蒂維·旺德自己說了算，這在摩城是沒有先例的。

在1972年的《（盲人用）書刊錄音唱片》（TalkingBook）中，有兩首歌曲獲排行榜第一，一首是《迷信》（Superstition），把索爾與迷幻搖滾兩種風格相結合。另一首是《你是我生命中的陽光》（Youarethesunshineofmylove，例42）略帶爵士搖滾的特點。專輯《內心聽覺》（Innervisions，1973）及其他一些歌曲的歌詞具有更多的社會意義。

到了80年代，史蒂維·旺德風華不減當年。他為電影《紅衣女郎》（Theladyinred，1984）創作的歌曲《電話訴哀情》（IJustcalledtosayIloveyou），不僅獲排行榜第一，而且還獲奧斯卡最佳電影插曲獎。從1974-1984年間，史蒂維·旺德共獲得15項格萊美大獎，創美國流行樂壇最高紀錄。

白人靈魂樂

Blue-Eyed Soul（白人靈魂樂）指的是音樂的演奏以及白人音樂家歌聲的組合。它最初出現在60年代中期，Righteous兄弟用打擊樂唱著《失去愛的感覺》成為它出現的標志。

參考資料